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Eastern Promises (David Cronenberg, Großbritannien / Kanada 2007)

Posted by – 28. Dezember 2015

Eastern PromisesVom frühen Body Horror über das neue Fleisch bis zum heutigen Spiel mit den Identitäten sind fast 40 Jahre vergangen. Und trotzdem wirkt das Kino des David Cronenberg alles andere als angestaubt. Im Gegenteil! Die Filme des Kanadiers dürfen zu den vitalsten gehörten, die die Filmwelt derzeit zu bieten hat. Cronenbergs Themen haben sich im Laufe der Jahre scheinbar gewandelt, doch wer genauer hinsieht, erkennt nach wie vor den rote Faden seines Schaffens. Nachdem die körperlichen Verwandlungen als Sujet seiner Filme mit dem neuen Jahrtausend ausklangen, widmete sich der Filmemacher mehr und mehr psychischen Transformationen und der Fragilität von Identität. „Eastern Promises“ und handelt von der Russenmafia in London. Kein Cronenberg Thema? Auf den ersten Blick nicht, doch unter der grandios inszenierten Oberfläche warten Schicht um Schicht alternative Realitäten auf den Zuschauer.

Die Story: Vor den Augen der Krankenschwester Anna Khitrova (Naomi Watts) stirbt die schwangere Tatiana (Sarah-Jeanne Labrosse). Das Baby überlebt. Anna nimmt daraufhin das russische Tagebuch der Toten an sich und forscht darin nach einer Kontaktadresse. Im Buch findet sie auch die Adresse eines russischen Restaurants. Den Besitzer Semyon (Armin Mueller-Stahl) bittet sie um Übersetzung des Tagebuches, nicht ahnend, dass sie an einen Paten der Londoner Vory V Zakone, einer mafiösen Vereinigung geraten ist.

Cronenberg interessiert sich im weiteren Verlauf weniger für den vordergründig konventionellen Genreplot als viel mehr für die Personen – Personen, die auf den ersten Blick wirken, als wären sie leicht zu durchschauen: Die hilfsbereite Krankenschwester, die fiesen Gangster der Russenmafia… Doch wie so oft bei Cronenberg trügt auch hier der Schein. Sicherlich hat „Eastern Promises“ auch als Gangsterfilm seine Stärken; doch wer  einen normalen Spannungsbogen oder auch nur genre-typische Action erwartet, wird –von einem denkwürdigen WTF!-Scharmützel in einem Dampfbad einmal abgesehen – möglicherweise enttäuscht. Ein wenig erinnert der Film an einen guten Tee, der sich erst nach und nach, mit jedem Aufguss in wenig anders und die vollständig offenbart, sondern bis zuletzt einige seiner Geheimnisse bewahrt.

Nach „History Of Violence“ und vor „A Dangerous Method“ ist „Eastern Promises“ der zweite Cronenberg-Film, in dem Viggo Mortensen die Hauptrolle übernahm. Er spielt Nikolai, den Chauffeur und Bodyguard von Semyons Familie. Wie schon im Vorgänger läuft Mortensen zu Höchstleistungen auf und präsentiert sich als einer der interessantesten und wandlungsfähigsten Schauspieler des jungen Jahrtausends. Sein Spiel, aber auch das der anderen Darsteller hat Oscarqualität. Hier seien vor allem der hier mal ultra-gruselige Armin Mueller-Stahl als gefährliches Familienoberhaupt wie Vincent Cassel als sein Sohn Kirill genannt, die alle anders sind als sie auf den ersten Blick erscheinen. Aus diesem Grund, weil in „Eastern Promises“, diesem ruhigen, hypnotischen Thriller mit mehr als einem doppelten Boden, nichts ist wie es ist, sondern alles zwischen alternativen Möglichkeiten oszilliert, kann ich ihn mir immer wieder mit großem Genuss ansehen.

Bild © 20th Century Fox

The Hunger Games: Mockingjay – Part 2 (Francis Lawrence, USA 2015)

Posted by – 18. November 2015

Durch meine letzten Texte „The Hunger Games“ (Teil 1, Teil 2, Teil 3.1) dürfte klar geworden sein, dass ich ein großer Verehrer der Reihe bin. Die Bücher haben mir sehr gut gefallen, die Filme finde ich sogar noch besser. Nun bin ich ein wenig erleichtert, dass sich daran auch durch den letzten Film nichts ändert, gab es doch beim Vorgänger ein Indiz, dass es das große Filme vielleicht an der nötigen Konsequenz missen lassen würde. Doch jetzt bin ich beruhigt, Francis Lawrence bringt die Adaption zu einem würdigen Abschluss und zeigt, dass Blockbuster und Anspruch ebenso wenig ein Widerspruch sind wie ein Kino für jugendliche Zuschauer, das gleichzeitig auch Erwachsene herausfordern kann. Der starke „The Hunger Games: Mockingjay – Part 2“ komplettiert die Reihe, die ich als Ganzes nun ohne Zögern als Meisterwerk bezeichne. Meine ausführliche Kritik gibt es wie stets auf Kino-Zeit.

The Hitcher (Robert Harmon, USA 1986)

Posted by – 18. Juli 2015

HitcherIch komme bedauerlicher Weise gerade nicht besonders oft dazu, mir einen Film anzugucken. Und selbst zu den wenigen, die ich sehe, schaffe ich es leider nicht immer, etwas aufzuschreiben. Für Robert Harmons „The Hitcher“ muss ich dem zeitintensiven Alltag jetzt aber noch eine Stunde abringen, denn zu diesem Film nichts zu sagen – das geht einfach nicht. Robert Harmons Wahnsinnswerk aus Feuer und Wasser, Staub, Blut und Zelluloid gehört zu der Handvoll Filme, die eine besonders wichtige Rolle bei meiner cineastischen Sozialisation gespielt haben.

Schon der Anfang: Da fährt der junge und zu Beginn noch reichlich naive Jim Halsey (C. Thomas Howell) einsam über den Highway. Er hat den Auftrag, einen Wagen von Chicago nach San Diego zu überführen. Er kämpft mit aller Kraft gegen die Müdigkeit an und denkt im ersten Augenblick, dieser Anhalter (Rutger Hauer), der am Straßenrad im Regen steht, wäre seine Rettung. Doch der Mann, der sich als John Ryder vorstellt, entpuppt sich nicht als die erwünschte Abwechslung von der monotonen Autofahrt – zumindest nicht so, wie Jim es sich vorgestellt hat. Ryder ist ein Psychopath, das wird schon in den ersten Minuten dieses Films klar. „Say ‚I want to die’“ fordert er den junge Mann auf. (Ich. Gänsehaut. Jedes Mal.) Doch dieser entscheidet sich für das Leben und schafft es sogar, Ryder aus dem Auto zu schmeißen. Was folgt ist ein spannendes, von einer seltsam ambivalenten Atmosphäre getragenes Katz-und-Maus-Spiel zwischen dem Kurier und dem Anhalter. Die endlose Straße bietet keine Zuflucht. Wo immer der eine auftaucht, ist der andere schon gewesen und hat sein blutiges Werk verrichtet.

Die Motive des geheimnisvollen Killers bleiben im Verborgenen. Es ist fast so, als hätte sich Jim durch seinen ersten kleinen Etappensieg als würdiger Mitspieler erwiesen, vielleicht sieht Ryder auch etwas in dem jungen Fahrer, das er zum Vorschein bringen will. „Stop me“ fordert er ihn an einer Stelle auf, aber man weiß nicht, ob es sein Ernst ist oder ob es zu seinem sadistischen Spiel gehört. Hier verhält es sich mit Ryder ein wenig wie mit dem ganzen Film, dessen vielleicht größte Stärke es ist, dass man bei ihm nicht weiß, woran man ist und dass man ihn auf viele Arten deuten kann: als apokalyptischen Highway-Western, als brutale Coming-of-Age-Parabel (vielleicht sogar mit homoerotischem Subtext?) oder auch als den ultimativen Kampf des Guten gegen das Böse. Gerade einige weniger unlogische Momente heben die surrealen Aspekte des Films hervor und manchmal wähnt man sich beinahe in der Halluzination eines schizophrenen Killers. Die Bilder des Films leben, sie flirren in der Hitze über dem Asphalt, verschwimmen beim Blick durch die schmierige Windschutzscheibe und verlieren sich im explodierenden Licht des nächtlichen Regens. Jedenfalls scheinen sie bei jeder Sichtung ihr Erscheinungsbild geringfügig zu ändern. Doch ob hier zwei gegeneinander oder einer gegen sich selbst kämpft – sicher scheint nur: hier findet eine Auseinandersetzung statt, die so kraftvoll und elementar wohl nur selten ins Bild gesetzt worden ist.

Mit dem Gewehr streicht Jim zum Schluss dem vor ihm auf der Straße liegenden Anhalter eine Haarsträhne aus dem Gesicht. Seine Geste hat beinahe etwas Zärtliches, Intimes. Vielleicht, weil er neben aller Qual Ryder auch etwas zu verdanken hat? Durch ihn ist er in eine Welt eingeführt worden, in der Mann-Sein vor allem bedeutet, zu töten. Diese Botschaft macht den ohnehin nicht gerade heiteren Film gleich noch etwas trostloser.

Bild © Momentum

The Quick And The Dead (Sam Raimi, USA 1995)

Posted by – 7. Juni 2015

Western sind eigentlich nicht mein Fall, aber es gibt Ausnahmen. „The Quick And The Dead“, mit dem Sam Raimi nach dem Abschluss seiner „Evil Dead“-Trilogie und seinem meisterlichen „Darkman“ zeigt, dass er auch dieses Genre zu bereichern weiß, gehört dazu. Ich habe ihn mittlerweile schon recht oft gesehen und vor ein paar Jahren auch mal eine etwas längere Kritik dazu geschrieben. Dem habe ich nach der gestrigen Sitzung nicht besonders viel hinzuzufügen. Außer vielleicht, dass ich heute nicht mehr so sehe, dass der Star-gespickte Trip ingesamt zu wenig Überraschungen bieten würde. Auch wenn der grobe Fahrplan bekannt ist, bietet der Film im Detail doch Highlights en masse. Eine komplizierterer Rahmenhandlung hätte diesem gradlinigen Film bestimmt eher geschadet. Es geht um einen jährlichen Duell-Wettbewerb in einem kleinen miesen Western-Kaff, den tyrannische Bürgermeister John Herod (Gene Hackman), der das Duell regelmäßig gewinnt und eine geheimnisvolle Rächerin (Sharon Stone) die es offensichtlich auf seinen Kopf abgesehen hat. Schon zwischen dem Hauptpersonal knistert die Luft, aber es gibt etliche weitere originelle Figuren, die Raimi mit der ihm typischen Inszenierungsfreude einfallsreich gegeneinander antreten lässt. Wäre ich gefragt worden, hätte ich wohl nur eine andere Hauptdarstellerin favorisiert und weiterhin vorgeschlagen, ihre genauen Motive im Dunkeln zu lassen. Aber auch ohne meine Hilfe ist „The Quick And The Dead“ ein ganz wunderbar kurzweiliger, verspielter und boshafter Western geworden, den ich mir in 20 Jahren noch nicht über gesehen habe.

Mad Max (George Miller, Australien 1979)

Posted by – 31. Mai 2015

mad max trilogieIn einer nicht allzu weit entfernten Zukunft beherrschen motorisierte Banden die Straßen. Sie terrorisieren die Bevölkerung, stehlen Benzin und auch vor Vergewaltigung und Mord schrecken sie nicht zurück. Die Polizei ist nahezu machtlos. Als bei einer Verfolgungsjagd der aus dem Gefängnis entflohene Nightrider (Vincent Gil) umkommt, sind seine Banden-Kollegen Toecutter (Hugh Keays-Byrne) und Bubba Zanetti (Geoff Parry), die ohnehin nicht gut auf die Polizei zu sprechen sind, noch aufgebrachter. Als Cop Jim „Goose“ Rains (Steve Bisley) und Max Rockatansky (Mel Gibson) auch noch Johnny „the Boy“ Boyle (Tim Burns), ein Mitglied ihrer Gang, verhaften, eskaliert die Lage zwischen den Outlaws und den Gesetzeshütern.

Lang ist es her. Damals war auch die Zukunft eine andere. Endlose, verdorrte Weiten, in denen sich eine Handvoll verrohter Überlebender um die letzten Rohstoffe zanken und das Recht des Stärkeren gilt. In George Millers erstem „Mad Max“-Film war dieses Szenario zwar nicht voll ausgeprägt, doch darf man wohl behaupten, dass hier – auch wenn es z.B. mit „The Last Man on Earth“ (1964), dem wunderbaren „A Boy And His Dog“ (1974) und weiteren schon andere stilbildende postapokalyptische Filme gab – sowohl was die visuelle als auch die inhaltliche Ebene dieser Erzählungen betrifft, ein wichtiger Vertreter das Licht der Welt erblickt hat. In meiner Erinnerung war der erste Teil immer der schwächste der Reihe. Als ich ihn mir vor ein paar Tagen – heiß gemacht durch den famosen „Mad Max: Fury Road“ und anlässlich der Veröffentlichung der ersten 3 Filme auf Blu-Ray – endlich mal wieder gesehen habe, musste ich wie so manches Mal feststellen, dass die Erinnerung trügt, bzw. dass der Geschmack sind ändert.

Viele reden bei den „Mad Max“-Filmen immer von rudimentären Geschichten oder zumindest solchen, die „kein Gramm Fett zu viel“ enthalten. Ich bin mir nicht sicher, ob das stimmt. Schon beim Schreiben der Inhaltsangabe ist mir aufgefallen, wie schwer es ist, den Finger drauf zu legen, was an „Mad Max“ eigentlich wichtig ist. Zumindest scheint es sich hier um alles andere als eine gradlinige Rachegeschichte zu handeln. Der Konflikt zwischen jenen, die krampfhaft versuchen, die kümmerlichen Reste der alten Ordnung aufrecht zu erhalten und jenen, die ihre eigenen Regeln machen, ist sicherlich elementar. Allerdings geraten die Figuren im Film eher unvermittelt aneinander. Dass es gerade Max ist, der mit den Straßenrockern in Konflikt gerät und dass das Schicksal gerade ihn ins Finale spült, ist eher dem Zufall geschuldet. So wie ich das sehe, erzählt „Mad Max“ dem Titel zum trotz weniger die Geschichte von einer bestimmten Person als vom Untergang der Zivilisation. Die Polizei – das sieht man schon am Anfang des Films – ist den Straßen-Rowdies sehr ähnlich. Max fürchtet sich davor, eine Grenze zu überschreiten und so zu werden, wie die, die er jagt: „Any longer out on that road and I’m one of them.“ Als sein Partner schwer verwundet wird, entschließt er sich dazu, den Dienst zu quittieren und mit seiner Familie aufs Land zu fahren, vom Helden im klassischen Sinne hier noch keine Spur. Als dann das Schicksal ihm alles nimmt wofür erlebt, will sich Max trotzdem nicht so recht in das Bild seiner heroischen Zunft fügen.

Damals war, wie gesagt, unser Bild der Zukunft ein anderes. Die „Mad Max“-Filme geben hiervon Zeugnis. Wenn, beziehungsweise – vielleicht sogar weil der ebenfalls wahnsinnig gute „Mad Max 2: The Road Warrior“ als der prototypische Vertreter des Endzeit-Films gilt, mag ich diesen ersten heute sogar noch etwas lieber. Das liegt zum einen daran, dass er so roh, so anarchisch und hoffnungslos ist und zum anderen so pointiert eine Welt zeigt, welche sich in der Umbruchphase zur sozialen Entropie befindet. In wenigen Filmen dieser Gattung sieht man besser als in George Millers Debütfilm, warum alles den Bach runter geht. „Mad Max“ ist sicherlich ein unangenehmer, aber auf den zweiten Blick auch ein großer und wichtiger Film über das Scheitern.

Bild © Warner Home Video

The Hunger Games: Mockingjay – Part 1 (Francis Lawrence, USA 2014)

Posted by – 19. November 2014

Wie man hier und hier nachlesen kann, gefallen mir die ersten beiden Teile der „The Hunger Games“-Filme richtig gut. Nach Teil 3 bin ich sogar soweit zu sagen: Hier kommt etwas ganz Großes auf uns zu, etwas, das vielleicht irgendwann in einer Reihe mit Jahrhundert-Trilogien wie „Star Wars“, „The Godfather“, „Spider-Man“ oder „Lord Of The Rings“ genannt werden wird. Das klingt übertrieben? Lasst uns in 10 oder 20 Jahren noch einmal darüber sprechen! „The Hunger Games: Mockingjay – Part 1“ ist eine überragende, in fast allen Belangen konsequente Fortsetzung, die ihre Kraft in der Tradition von Werken wie Orwells „1984“ ganz aus ihrer dystopische Substanz und der damit verbundenen Tragik der persönlichen Schicksale schöpft. Weitere Gründe, warum mir der Film so gut gefallen hat, wie auch einen Kritikpunkt, verrate ich auf Kino-Zeit.

Someone’s Watching Me! (John Carpenter, USA 1978)

Posted by – 27. Oktober 2014

Someone's Watching Me#Horrorctober 10

Rape is when a man consciously keeps a woman in fear

Die Live-Regisseurin Leigh Michaels (Lauren Hutton) zieht nach Los Angeles in das Hochhaus „Arkham Tower“, wird dort aber schon bald vom gegenüberliegenden „Blake Tower“ aus von einem Unbekannten beobachtet und zunehmend bedrängt. Die Polizei ist keine Hilfe, nur ihr neuer Freund Paul (David Birney) und ihre Arbeitskollegin Sophie (Adrienne Barbeau) stehen zu ihr.

Nachdem die letzten neun Filme meines #horrorctober ein echtes Highlight leider schmerzlich vermissen ließen, habe ich mit Nummer 10, John Carpenters TV-Film „Someone’s Watching Me!“ jetzt doch noch ein kleines Meisterwerk erwischt. Seinen TV-Charakter merkt man „Someone’s Watching Me!“ nicht sonderlich an. Bis auf die Musik hat der Film alles, was einen Carpenter dieser Zeit auszeichnete: Eine klare Idee, in klaren Bildern und ruhiger Erzählweise vorgetragen, ein großes Interesse an Räumlichkeit und damit verbunden eine klaustrophobische Stimmung sowie das Quäntchen Humor, das in seinen Spannungsfilmen häufig übersehen wird. Der Film wirkt ein wenig wie eine Fingerübung zu „Halloween“, während dessen Vorproduktion Carpenter ihn gedreht hat. Ich könnte mir sogar vorstellen, dass das Hochhaus – neben Lauren Hutton der zweite Hauptdarsteller des Films – Carpenter dazu inspiriert hat, „Halloween 2“ in einem Hochhaus spielen zu lassen. Der Plan wurde allerdings zugunsten des Krankenhauses, in dem mehr als die Hälfte des Films stattfindet, fallen gelassen.

Was ich an „Someone’s Watching Me!“ gleichwohl bemerkenswert finde, ist zum einen die starke gesellschaftskritische Ausrichtung des Film, der sich ganz offensichtlich mit dem Verhältnis zwischen Frau (in einer Männerwelt) und Mann (und dessen Allmachtsphantasien) auseinandersetzt und zum anderen eine markante Kritik an der zunehmenden Technisierung der Gesellschaft, ich will sogar behaupten, das Thema Überwachung ist hier bereits vorwegnimmt. Anders als manche Kolleginnen und Kollegen sehe ich normalerweise nicht überall Phalli, aber die Hochhäuser stehen so erigiert herum, das ist bestimmt kein Zufall… Und es passt ja auch ganz wunderbar zum Inhalt des Films, der eben nicht nur eine „Rear Window“-Referenz und ein Lehrstück in Sachen Spannungskino ist, nein, er nimmt auch zahlreiche Standards zukünftiger Horrorfilme vorweg und ist eben auch eine starke Metapher für eine frauenfeindliche Gesellschaft. Im Hinblick auf Geschlechterverhältnisse zeigt der Film ein konservatives, aber durchaus realistisches Horrorszenario der total überwachten Frau, ist aber gleichzeitig für das Jahr 1978 auch ein erstaunlich mutiger Film mit einer emanzipierten Protagonistin. Toll gespielt von Lauren Hutton – erst stark, vorgerecktes Kinn, selbstbewusst, lustig, dann zunehmend mit gesenktem Kopf, zurückhaltend, verängstigt. Die Gewalt gegen sie geht aber nicht allein von dem anonymen Stalker aus; Versuche, sie zu kontrollieren kommen von überall: von ihrem Chef, ihrem Macho-Kollegen, den Männern in der Bar. Auch der Grund nach Los Angeles zu ziehen, war ein Mann. Der starke Druck von außen bekommt sie allerdings nicht klein – sie bleibt unangepasst, kämpft, will sich nicht vertreiben lassen.

Es klingt bestimmt durch, ich bin wirklich sehr angetan. „Someone’s Watching Me!“ ist die Sorte Film, die mich glücklich macht: Von zurückhaltender Schönheit, schnörkellos und trotzdem über alle Maßen reichhaltig. Und hier noch ein kleines Loblied auf die sozialen Medien. Da mir der Film mit über 20 Euro selbst für die gebrauchte DVD zu teuer war, und alle Online-Streaming-Dienste, für die ich zahle, ihn nicht im Programm führen, habe ich bei Twitter nachgefragt, zufällig im Besitz des Filmes und verleihbereit wäre. Und tatsächlich fand sich jemand, der mir den Film freundlicherweise zur Verfügung gestellt hat. So schlecht ist die Welt also doch nicht.

Bild © Warner Home Video 
 

The Usual Suspects (Bryan Singer, USA / Deutschland 1995)

Posted by – 20. August 2014

die üblichen verdächtigenVor ein paar Tagen habe ich ihn mal wieder zufällig im TV gesehen, zwar auf deutsch, aber dafür ohne Werbeunterbrechung. Ein wirklich toller Film, der auf mehreren Ebenen funktioniert. Zum einen als spannender Krimi, zum anderen als Meisterstück einer unzuverlässigen Erzählung. Darum geht’s: Nach einer Schiffsexplosion mit 27 Toten im Hafen von San Pedro, wird der Kleinkriminelle Verbal Kint (Kevin Speacy) von der Polizei verhört. Er soll zu den Drahtziehern des Massakers gehört haben. Nach und nach enthüllt Kint, was „wirklich“ passiert ist. Demnach soll der geheimnisvolle Gangsterboss Keyzer Soze hinter den Vorfällen stecken.

Wer den Film noch nicht gesehen hat, sollte nicht weiterlesen. Denn schon in diesem Satz verrate ich, dass Verbal Kint hinter allem steckt und er – wenn vielleicht auch nicht Keyzer Soze – entgegen dem ersten Anschein ein verdammt cleverer Gauner ist, der jeden nach Belieben manipulieren kann. Ja, eigentlich könnte nahezu der komplette Film nur die lebendig ausgeschmückte Geschichte Kints sein, die dieser der Polizei auftischt. Das Großartige darin ist, wie gut der Film funktioniert – auch beim mehrmals sehen! – obwohl alles, was man als Zuschauer sieht, Lug und Trug sein könnte. Vielleicht ist außer den groben Rahmendaten überhaupt nichts wahr. Und selbst die „harten Fakten“ müsste man konsequenterweise noch in Zweifel ziehen. Ich kann ehrlich gut verstehen, wenn jemand damit nicht klar kommt, sich möglicherweise sogar vom Film betrogen fühlt. Ich spreche da sogar aus Erfahrung, ist es nun doch schon ein fast 20jähriger Disput zwischen mir und meinem besten Freund, der den Film aus diesem Grund überhaupt nicht mag.

Ich hingegen finde es charmant, dass sich die Illusion, die ja bekannterweise eine Illusion ist – schließlich gucken wir hier einen Film –, schlussendlich zu erkennen gibt. Auf der einen Seite möchten wir getäuscht werden, wir möchten, eine Weile zumindest, glauben was wir sehen oder hören, so funktionieren fiktive Geschichten nun einmal. Dass sich in Singers Film sich in seiner vollen Künstlichkeit zu erkennen gibt, hätte mich wahrscheinlich auch ärgern können, nicht selten wird hierdurch die Kraft der Geschichte geschwächt, und oft ist es nur das Ego des Regisseurs, das hier zum Vorschein kommt. Michael Hanekes „Caché“ und „Funny Games“ z.B. mag ich aus diesem Grund nur bedingt. In diesem Fall, und das ist das wirkliche Kunststück der Üblichen Verdächtigen, wird die Fiktion durch die Offenbarung ihrer selbst nur noch schöner! Wie Singer und McQuarrie, der sein Drehbuch zu Recht einen Oscar bekommen hat, das genau hinbekommen haben, weiß ich auch nicht.  Jetzt auf das besagte Drehbuch zu verweisen (warum hat McQuarrie eigentlich danach nie wieder etwas ähnlich Gutes hinbekommen?) oder Singers besonnene aber doch ausdrucksstarke Regie oder die wahnsinnig gute Darsteller-Riege zu loben, die den Film mit Leben erfüllen, man hat sie alle lieb, wären letztlich nur die rezensions-typischen Null-Aussagen.

Auf den letztgenannten Punkt, die Darsteller, möchte ich aber trotzdem noch kurz eingehen, vor allem auf das meiner Meinung nach wirklich ganz fantastische Schauspiel von Gabriel Byrne. Der hat die anspruchsvolle Aufgabe, mit seiner Figur dem Doppelbluff des Drehbuchs gerecht zu werden: Er muss den freundlichen, den geläuterten Dean Keaton verkörpern, den, den Kint in seiner Story imaginiert – und gleichzeitig die Möglichkeit offen halten, dass er eigentlich der Drahtzieher-Keaton ist, der Oberboss, für den ihn die Polizei hält. Byrne oszilliert virtuos zwischen diesen Varianten sehr überzeugend. Ja, wahrscheinlich ist es dies, was auch für die anderen, ebenfalls großartigen Darsteller (Spacey, del Torro, Baldwin, Pollack,…), wie für den ganzen Film gilt: Er ist mehr, als etwas einzelnes, er ist ein Spektrum an Möglichkeiten, ganz so wie jede gute Geschichte, die ganz anders sein kann, je nachdem wer sie erzählt und wer sie sich anhört.

Bild © Columbia TriStar
 

Ghost (Jerry Zucker, USA 1990)

Posted by – 30. Juli 2014

Wie oft ich diesen Film mittlerweile gesehen habe, weiß ich schon gar nicht mehr. Aber an das erste Mal werde ich mich immer erinnern: „Ghost“ gehört zu den wenigen Filmen, die ich als 15-jähiger von meinem Taschengeld nicht einmal, sondern gleich zweimal kurz hintereinander im Kino gesehen habe. Das ist mir auch deswegen so gut in Erinnerung, weil ich ein paar skeptische Freunde mit einiger Anstrengung überredet habe, mich beim zweiten Kinobesuch zu begleiten („Ich verspreche euch, der wird euch gefallen…“), und weil es hinterher etwas Ärger gab („Wir hören nie wieder auf deine Empfehlungen!“). Wahrscheinlich wurde meiner Karriere als Filmkritiker hier der Weg geebnet. Hier zeigte sich erstmals mein missionarischer Eifer Leute von meinem Zeug zu begeistern, zweitens meine Frustrationstoleranz bezüglich ihrer Geringschätzung meiner Tipps und drittens meine Gabe, filmische Meisterwerke zu erkennen. Wie im Falle von „Ghost“. Gestern Abend, 25 Jahre nach Erstsichtung, habe ich ihn mal wieder entzückt angeschaut. Immer noch wahnsinnlich gut. Er ist so toll geschrieben, auf den Punkt inszeniert, und die Besetzung ist ein echter Coup! Und nicht nur mir hat er gefallen. Auch Daniel und Sebastian von unserem kleinen aber feinen Twitterfilmclub, die ihn gestern auch gesehen haben, waren begeistert. Das hätte bestimmt ein lustiges Bild abgeben: drei heulende Kerle, die flennen, weil Molly und Sam sich so lieb haben.

Für Filmstarts habe ich 2007 was zu „Ghost“  geschrieben (klickst du hier!), sehe ich im Prinzip heute alles noch genauso.

Nikita (Luc Besson, Frankreich / Italien 1990)

Posted by – 19. April 2014

nikitaEine Gruppe Rowdys bricht nachts in eine Apotheke ein. Bei der folgenden Schießerei mit der Polizei sterben mehrere Menschen. Einer der Einbrecher, die drogensüchtige Nikita (Anne Parillaud), wird zu lebenslanger Haft verurteilt. Doch anstatt dass Nikita normal ihre Strafe verbüßt, wird ihr Selbstmord vorgetäuscht – und die aggressive junge Frau befindet sich auf plötzlich in den Händen des französischen Geheimdienstes. Der will sie zur Killerin ausbilden!

Eigentlich wollte ich gestern mit meiner kleinen John Badham Retrospektive starten. Als Einstieg hatte ich den mir schon bekannten „Point Of No Return“ ausgesucht. Aber leider musste ich nach ein paar Minuten feststellen, dass es sich um die zwar nur um wenige Minuten, aber doch sehr unschön verstümmelte FSK-16-Fassung handelt. Deswegen bin ich kurzerhand auf das französische Original umgeschwenkt, was mich bei meiner Badham-Retro kein Stück voranbringt, aber ansonsten eine absolut gute Entscheidung war. Ich hatte echt nicht mehr auf dem Schirm, was für ein meisterhafter, aber irgendwie auch todtrauriger Film Besson da doch gelungen ist.

Schon gleich am Anfang gibt es eine Szene, die mir sehr nahe gegangen ist. Da sitzt die zugedröhnte Nikita in der Apotheke auf dem Boden und hört Musik – während ihre Kumpels sich mit dem Apotheker und der Polizei ein Feuergefecht liefern. Sie bekommt davon nichts mit. Erst nach der Schießerei findet sie ein Polizist zusammengekauert auf dem Boden. Er nimmt ihr sanft die Kopfhörer ab. Sie sieht ihn an, hebt die Waffe, drückt ab. Ein Impuls, eine Emotion, die sich Tief aus dem Inneren einer geschundenen Seele tödlichen Ausdruck verleiht. Aber auch die weitere Filmhandlung steht ganz im Zeichen des Tötens und geht nicht minder an die Nieren. Nikita wird weggesperrt und lernt nicht nur Computer zu bedienen und sich zu schminken, sondern auch ihre Wut zu kanalisieren und ihre letalen Reflexe in den Dienst der Regierung zu stellen. Freilich präsentiert Besson seine Geschichte im Gewand des Unterhaltungskinos, aber „Nikita“ ist mehr als ein spannender Thriller über einen Menschen, der zum Killer ausgebildet wird. Es ist auch eine Geschichte über Entfremdung. Hier wird der freie Wilde erst durch seine Dressur zum wahren Monster. Er tötet nicht mehr, weil er Angst hat oder wütend ist, sondern weil es ihm so beigebracht wurde. Wenn das Telefon klingelt und Nikita den Namen „Josephine“ hört, wird ihr Gesicht zur Maske. Alles neugewonnene Glück fällt von ihr ab. Sie wird zum Rädchen in der Maschine, das nur weiß, dass es zu funktionieren hat – weil es sonst ersetzt wird. Doch Nikita ist eine Kämpferin. Ihr Freiheitsdrang ist nie ganz erloschen. (Im Gegensatz zu ihrem von Tchéky Karyo gespielten Chef und Ausbilder Bob, dessen Fähigkeit zu Lieben sich nur noch im Befolgen der Regeln niederschlägt.) Zu kämpfen und zu siegen kann in Nikitas Fall nur heißen: aufgeben. Sich von der Chance auf ein besseres Leben endgültig verabschieden. Das System verlassen. Und, als wenn das nicht schon traurig genug wäre, hier scheint sich der Kreis auf tragische Weise wieder zu schließen. Schließlich begann der Film auch mit einer  drogensüchtigen jungen Frau, die außerhalb des Systems stand – sei es, weil sie ausgespien wurde oder weil sie die Gesellschaft selbst nicht mehr ertragen konnte. Hoffentlich geht die Geschichte, die auf den Abspann folgt, anders weiter.

Bis vor kurzem habe ich nur alte Erinnerungen mit alten Erinnerungen verglichen. Da schnitt „Point Of No Return“ nicht schlecht ab. Ich kann mir aber jetzt kaum noch vorstellen, dass er mit Bessons „Niktia“ mithalten kann. Denn bei ihm handelt es sich, falls das noch nicht genug durchgekommen ist, um einen wirklich schmerzhaft guten Film!

Bild © Studiokanal